自古以来我们称之为艺术的东西其实一直在改变。

  所以“艺术”其实是一艘“忒修斯的船”，很多船板已经不是当初造船式的那些木料了。但我们大概齐地依然愿意把它们称呼为艺术。

  世界各地的人们称之为“艺术”的东西总归有点像，但其实细究下去也挺不一样的。希腊人认为是艺术的东西，宋朝人不一定那么想。

  文艺复兴写实绘画在当年是新艺科。隶书、狂草和五代山水画当年也曾经是新艺科。

  新艺科的很多想法在老艺科里面都有。

  科艺融合自古有之：中世纪哥特大教堂有那么多技术，当然是建筑领域的科技艺术，烧得那么好看的宋瓷，要掌握窑炉掌握火候掌握窑变，当然是科技艺术；造纸曾经是一种新材料的研发。文艺复兴绘画就是当年的科技艺术，艺术家都要研究解剖学、透视学和光学，研究视错觉，搞了这些科研的新艺科生术开始碾压中世纪的老艺科生，后来教堂里的活儿都被他们包了。

 但是在达芬奇时代，不肯探索的人也并没有去研究透视和解剖，去研究解剖的达芬奇他们是少数派，当时的大多数艺术家，也觉得他们把自己搞得跟医生和科学家似的，对于做好艺术并没有必要。所以，达芬奇他们就是那个时代搞科艺融合、搞交叉学科的人。

  产教融合也自古有之：中世纪作坊教出来的学徒们，得给教堂画壁画，做彩色玻璃窗，得给市政广场做雕塑做凯旋门。敦煌的画师们，得有供养人掏钱开个窟，才有活干。接不到活儿的，是学艺不精有辱师门。艺术如果不实用，没人买单，就生存不下来。艺术自古都是个饭碗。

  社会反馈评价标准更是硬道理：作品有人要，口碑传开来。口口相传，成为名家，单价就上涨。服务品质不佳或服务态度不好，客户投诉给差评，慢慢生意清淡，只能下调价格。金主爸爸在每个时代都是严苛的批评家，其中懂得尊重专业的得以在艺术史上传扬美名如美第奇家族或古根海姆家族。

  当然，一味迎合甲方的艺术家不能发动创新，也就注定不能建立品牌引领潮流。所以艺术家除了混饭吃还要有专业尊严和专业理想，有行业标准。注意，我说的是行业标准，不是以自己为标准。石涛说的“我自用我法”，那是因为其实有一大票人已经认同了他的办法了，有人给撑腰壮胆有人给买单。伦勃朗早年尊重甲方赚得盘满钵满，后来就“我自用我法起来”，于是破产了。连老婆的墓地都买不起，铜版原版都卖掉了。

  艺术和社会的关系被误会，主要发生在浪漫主义时期。不是说艺术里没有灵感没有激情没有个人表现，而是这些东西在浪漫主义之后被夸大了。被夸大到可以当饭吃的程度，就不对了。因为这种夸大，有些艺术家们像是被社会宠坏的孩子，开始疯疯癫癫（装的）开始任性（字面意义上的任性），有时还真有人惯着他们。但大多数时候没戏。

 前面这些话，说得让人绝望。让人觉得艺术这个行业，和开饭馆送外卖做保姆开出租本质上并没有什么不同。这些话老艺术生应该不爱听，但我还没说完呢。———确实，艺术工作者与其他行业的从业者在大的社会法则层面上并没有绝对不同，但之所以叫艺术，那就还是有所不同----所以，话又说回来，世上有些事，是钱摆不平的。就是有人宁愿卖不掉也要画自己喜欢的画（当然这多半是因为他还有几个存款，或者有个靠谱的弟弟给他打钱），这样的人让人肃然起敬，因为肃然起敬，反而有了市场了。所以，艺术消费的市场很妙，有理想的人并不会饿死。媚俗分子永远无法一统江湖。

  所以，虽然是新艺科，毕竟还得是艺科。不管新旧，艺科有艺科的价值观。

  所以，今天提新艺科，其实只是回到了艺术本来的样子。所以，我们不是告别老艺科，走向新艺科，而是回到新艺科。